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Mea culpa ! C’est seulement aujourd’hui que Bla Bla Blog s’intéresse à l’excellente émission de France Musique, Musicopolis. Disons aussi qu’il n’est jamais trop tard pour découvrir cette série au long cours produite et animée par Anne-Charlotte Rémond. Musicopolis est diffusé du lundi au vendredi à partir de 13H03 – très précisément ! Chaque émission dure moins de trente minutes.
Pas de blabla dans ces émissions dans chaque émission de vingt-cinq minutes mais beaucoup d’extraits musicaux et juste ce qu’il faut d’éclaircissements. La productrice et journaliste sait nous faire entrer dans la vie de ces hommes et de ces femmes, célèbres (Bach, Brahms, Stravinsky, Beethoven) ou non (Franz, Schreker, Charles Lecocq ou, plus près de nous, Betsy Jolas).
Parmi les récentes émissions, Anne-Charlotte Rémond nous raconte l’histoire du Clavier bien tempéré de Jean-Sébastien Bach qui est resté longtemps dans l’oubli, dans la mesure où il avait été écrit comme un ouvrage pédagogique à destination des élèves du cantor de Leipzig. L’auditeur sourira sans doute à l’écoute d’un autre épisode consacré Scriabine, aussi génial comme compositeur que brouillon comme créateur. Et ce n’est pas sans facétie que Micropolis s’intéresse à la Sonate de Vinteuil, une œuvre imaginée par Marcel Proust pour À la Recherche du Temps perdu.
On ne peut que conseiller de se plonger dans l’intégrale des séries de Musicopolis qui peut aisément s’appréhender comme une encyclopédie musicale classée par date, du XIIe siècle à nos jours. Pour les amoureux de musique classique et contemporaine, cette série de podcasts est un joli cadeau.
Envoûtant, planant, mystérieux, dépaysant : les mots ne manquent pas pour qualifier Missing Island, le nouvel album de Snowdrops. Après leur premier opus Volutes, le collectif composé de Christine Ott et Mathieu Gabry est rejoint par l’altiste Anne-Irène Kempf.
Loin d’être un opus hors-sol, Missing Island entend au contraire faire un "retour à La terre". C’est d’ailleurs le titre du premier morceau, à la simplicité revendiquée, ce qui n’exclue pas de belles trouvailles sonores et une alliance entre classicisme, musique répétitive et influences traditionnelles, avec cet accordéon aux tonalités envoûtantes.
Snowdrops cite, au sujet de ce premier morceau, quelques vers du poète Rainer Maria Rilke : "Tout est gestation et enfantement. Laisser chaque impression et chaque germe de sentiment s’accomplir entièrement en soi, dans l’obscurité, dans l’inexprimable, l’inconscient, au-delà de la portée de sa propre intelligence, et attendre avec une profonde humilité et patience l’heure de naissance d’une nouvelle clarté."
Missing Island a été conçu comme un album entre terre et ciel, terrien et lunaire, à l’image de cet autre titre, "Firebirds", plus grave et plus mystérieux. Grâce aux ondes Martenot, de singulières apparitions viennent planer tels des oiseaux qui pourraient être autant de feu que de nuit et de ténèbres.
Les trois musiciens de Snowdrops font du plus long morceau de l’album, "Land Of Waves" (un peu plus de neuf minutes), une évocation des quatre éléments. Le mystère mais aussi la contemplation planent dans cet extrait dont l’influence de l’album berlinois Low de David Bowie (1977) peut frapper l’auditeur.
Ondes Martenot
La deuxième partie de l’album se veut plus contemplative encore – "métaphysique", précisent les trois artistes – avec notamment ce "Nostalgia de la Luz". Ce morceau est inspiré du documentaire du même nom, réalisé par Patricio Guzmán. Dans son film, des astronomes du monde entier se rassemblent dans le désert d’Atacama pour observer les étoiles. Au souffle de la nature, avec les ondes Martenot jouées par Christine Ott, répond le piano mélancolique de Mathieu Gabry.
Ne pourrait-on pas entendre, derrière "Radioactive Breath", de sombres prédictions et menaces ? Ce single fait du désert un endroit inquiétant, avec un piano sombre et des vagues synthétiques donnant à "Radioactive Breath" une atmosphère post-apocalyptique.
Parlons aussi de cet autre extrait, "Et Comme Un Souffle Qui Vient", dans lequel l’auditeur se trouve projeté dans un singulier moment vivant. Christine Ott, Mathieu Gabry et Anne-Irène Kempf font se rencontrer avec audace musiques traditionnelles, classicisme, contemporain et électronique pour ce titre naturaliste et d’une belle mélancolie.
"Mémoires Élémentaires" vient clore leur programme passionnant dans une jolie douceur. Piano, alto et synthétiseur se rencontrent avec tendresse. Revendiquant le terme de post-folk, les musiciens de Snowdrops repoussent les frontières des genres musicaux pour proposer un dernier morceau subtil et planant.
Étrange et magnétique projet musical que ce Guéthary, album en forme de mélange thématique, autour de la ville basque d’où vient le pianiste Aurèle Marthan. Le musicien y a même créé un festival.
À la première écoute, il est impossible de voir le point commun qui relie des artistes aussi différents que Camille Saint-Saëns ("Le Carnaval des Animaux"), Philip Glass, François Couperin (la pièce pour clavecin "La Basque"), les Eagles ("Hotel California") ou le groupe pop français La Femme ("Sur la planche"). Voilà un choix éclectique pour ce répertoire qui a tout pour décontenancer l’auditeur. Le résultat est pourtant un opus cohérent et envoûtant.
Guéthary est un voyage géographique et musical dans cette petite ville de la côte basque située non loin de Biarritz. Le pianiste en fait un album fait de sensations et d’impressions aux mille teintes. Aurèle Marthan impose lui-même la signature et la marque de cet opus avec une de ses compositions. Le bien nommé morceau "Guéthary" se veut une déambulation magique dans son pays, non sans des teintes raveliennes. Ravel, justement, a une place de choix. Le natif de Ciboure, à quelques encablures de la modeste cité balnéaire, est présent grâce à son "Concerto en sol M.83". Aurèle Marthan exprime dans son interprétation la puissance maritime et les contrastes envoûtants.
Les familiers de cette région de la côte basque ont une place de choix dans l’album
Les familiers de cette région de la côte basque ont une place de choix dans l’album, à l’image de l’Espagnol Esteban Sánchez Herrero ("Recuerdos de viaje"). Citons aussi Alberto Iglesias et son "O Night Divine", d’après la bande originale du film de Luca Guadagnino (O Night Divine) mais aussi l’hispanique "Piano Bar y coro infantil" tiré d’une autre BO, celle de Dolor y Gloria de Pedro Almodóvar. Pablo de Sarasate, originaire de Pamplune a tout autant sa place, lui qui a posé ses bagages dans le Pays Basque français. Aurèle Marthan propose une délicate version de sa "Prière et berceuse, Op. 17".
Igor Stravinsky s’est exilé à Biarritz entre 1921 et 1924, d’où sa présence avec la "Danse russe" tirée de Petrushka, qu’il écrivit en partie là-bas. Rameau connaissait bien lui aussi cette région et sans doute a-t-il déambulé dans Guéthary. Le jeune pianiste ne l’oublie pas et propose le formidable extrait de la suite n° 14 "Les Sauvages".
Un vent océanique et atlantique souffle sur ce très bel album qui emballera autant les amateurs de classique que les autres, à l’image des inratables versions d’"Hotel California" des Eagles et leurs plages océaniques? Parlons enfin du tube pop "Sur la planche" de La Femme. Un groupe dont les deux membres fondateurs sont originaire de Biarritz – bien entendu.
Les Lettera Amorosa, qui donnent son nom au premier album d’Elise Bertrand, marquent la découverte d’une nouvelle venue dans la musique contemporaine.
La maison de disques Klarthe Records a eu la bonne idée de sortir les premières œuvres de la jeune compositrice et violoniste, et en premier lieu cet opus 10 que sont le quatuor avec flûte "Lettera amorosa". Elise Bertrand a mis en musique le recueil éponyme de René Char, que l’écrivain présentait ainsi dans son épigraphe : "Amants qui n’êtes qu’à vous-mêmes, aux rues, aux bois et à la poésie ; couple aux prises avec tout le risque, dans l’absence, dans le retour, mais aussi dans le temps brutal ; dans ce poème il n’est question que de vous".
En dépit de sa facture contemporaine, les quatre mouvements de ces "Lettera" laissent percevoir une tradition classique comme le montre leur titre : "Chant d'insomnie", "Badinerie, Scherzando", "Aria, Adagio", "Rondo Alla Toccata, Vivo". Le romantisme est également présent dans ce "Chant d’insomnie" élégiaque, mais Elise Bertrand sait aussi jouer d’une liberté légère, à l’instar du deuxième mouvement et son étonnante badinerie. Plus sombre et lancinant, le mouvement "Aria, adagio" est une déambulation dans la douleur amoureuse, nappant cette partie d’un certain mystère. Ce mystère, Elise Bertrand vient y mettre fin avec la quatrième partie, "Rondo Alla Toccata, Vivo".
Hormis ces "Lettera Amorasa" qui donnent son nom à l’album, la compositrice proposent d’autres premières œuvres. Le "Quasi Variazioni, Op. 7", le plus long morceau du disque, est une création à la sombre beauté commençant par un piano mystérieux avant de s’épanouir dans des variations – ou des "quasi variations" pour reprendre le titre du mouvement – qui peuvent se lire comme des appels à la liberté et à l’amour. Il y a un instinct sauvage dans le piano de Dana Ciocarlie qui oscille entre élans sauvages et une délicatesse toute romantique – et même romanesque, dirions-nous.
Pour la "Sonate pour violon et violoncelle, Op. 8", Elise Bertrand est au violon . Elles est accompagnée par Hermine Horiot au violoncelle. On peut parler d’un ultra-moderne romantisme se jouant du mystère, de l’audace dans l’écriture mais aussi un combat incessant se déroulant en deux temps. Les deux mouvements naviguent entre séduction, répulsion et attirance, à l’instar du 2ème mouvement, plus long, plus aventureux.
Un aplomb certain
L’auditeur sera sans doute surpris de trouver dans Lettera Amorasa une œuvre sacrée, l’opus 2 "Impressions liturgiques", avec Caroline Debonne et Ionel Streba. Elise Bertrand ne cache pas son admiration pour le Requiem de Maurice Duruflé et déploie ces "Impressions liturgiques" avec une simplicité déconcertante et un panel de couleurs, en dépit de la brièveté de l'opus : un "Introït" mystérieux, un "Lux Aeterna", lumineux, un "Supplicatio" très ancré dans la tradition du XXe et un "In Paradisium" presque debussyen.
Caroline Debonne et Joë Christophe sont aux manettes des trois mouvements du "Mosaïque, op. 4". La compositrice se montre là encore audacieuse : ça virevolte, ça s’égaye et ça s’enjoue ("I, Prélude et adagio"). Il y a une grâce certaine dans la manière dont Elise Bertrand impose son univers ("II. Expressivo"), y compris dans la concision – on oserait parler d’efficacité. L’auditeur gouttera avec intérêt et curiosité le délicat "Postlude" aux couleurs chaudes et méditerranéennes, comme si le peintre Matisse s'était penché au-dessus des épaules de la jeune compositrice.
L’album se termine paradoxalement avec l’opus 1, qui est constitué de 12 Préludes à la facture plus tonale et, dirions-nous, plus classique. Elise Bertrand les interprète elle-même au violon. Elle dédie ces préludes au compositeur Nicolas Bacri, son professeur de composition. Elle dit ceci de son premier opus : "Reflets d’une première période aux diverses facettes, les Préludes évoluent déjà vers une matière sonore où la poétique musicale personnalise mon langage musical."
Comme pour la plupart de ces œuvres de jeunesse, ces préludes sont brèves (le plus court fait cinquante secondes et le plus long un peu plus de deux minutes). Il y a des accents debussyens (le premier prélude, "Rêveur") voire romantiques (le 2e prélude, "Scherzando") dans ces déambulations musicales. Elise Bertrand sait même se faire mystérieuse, nous ne pas dire envoûtante (3e Prélude, "Misterioso"). L’auditeur retiendra sans doute le romanesque prélude n°5 "Simplice", semblant s’inscrire dans la tradition classique européenne du XIXe siècle. Il y a tout autant du Satie dans l’"Andante" du prélude n°6, avec sa délicatesse rêveuse, contrastant avec le n°7 et ses rythmes de jazz ("Jazz Rhapsody, Vivo").
"Au loin" et son onirisme (le prélude n°8) semble s’ébrouer de la tonalité classique et harmonique pour aller vers des élans plus contemporains. On pourrait en dire autant du 9e prélude, "Lento Espressivo", auquel vient répondre le 10e, "Furioso", à la belle expressivité. Le prélude n°11 ("Largo") frappe par le choix d’Elise Bertrand d’en faire une lente marche funèbre traversée par des éclats lumineux, avant d’aller vers une lente ascension toute métaphysique. L’album se termine avec le prélude n°12 ("Calme"), plus long et dans lequel la compositrice semble faire une mue définitive vers une écriture plus contemporaine. Un répertoire où la musicienne se meut avec créativité, sensibilité mais aussi un aplomb certain.
Vous êtes de plus en plus nombreux à suivre ce blog curieux et toujours à la recherche de nouveautés dans les domaines de la musique, du cinéma, des livres ou des expos.
Après cette coupure estivale, Bla Bla Blog va revenir avec des nouveautés. Côté musiques, je vous parlerai de la jazzwoman Laura Anglade et ses reprises de standards de la chanson française. Il sera aussi question de l’électro de MLD, du groupe Les Marmottes et de Célestin.
Côté cinéma, je vous parlerai du remake de Mon garçon par Christian Caron (My son). Une série nous intéressera : Anatomie d'un scandale. Les fans de Downton Abbey seront aux anges : vous saurez bientôt pourquoi.
Il sera aussi question du Vendée Globe 2024 et d’une opération caritative mais aussi du festival parisien Aux Arts !, à la rentrée. Côté livres, je vous parlerai du document de Betty Milan consacré à Jacques Lacan, d’un beau livre des éditions Larousse sur les chefs-d'œuvre de la peinture mais aussi de fantasy.
Ce ne seront que quelques-unes des surprises prévues.
A bientôt.
Photo : Lilartsy - Pexels
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Avec l’album Metamorphosis, Célia Oneto Bensaid se surpasse au clavier grâce à ses touches délicates dans un premier mouvement aux leitmotiv mystérieux. C'est l'image d'un album introspectif, confirmant une figure montante du piano classique et contemporain.
Pour cet album, la musicienne a choisi un répertoire rare et passionnant, avec deux compositeurs et une compositrice des XIXe, XXe et XXIe siècle : Maurice Ravel, Philip Glass et Camille Pépin. Le titre Metamorphosis font référence au roman de Kafka, La Métamorphose. Philip Glass a composé une œuvre importante et est une figure majeure de la musique contemporaine, en particulier du courant répétitif américain.
Célia Oneto Bensaid a fait le choix d’agencer les pièces de Glass, Rabel et Pépin dans un ordre peu orthodoxe mais faisant sens. La pianiste fait alterner les cinq mouvements de "Metamorphosis" de Glass et les cinq mouvements de "Miroirs" de Maurice Ravel. Évidemment, mettre en correspondance le thème de la métamorphose monstrueuse et celui du reflet a tout son sens. Le morceau "Number 1" de Camille Pépin vient compléter le programme de la pianiste.
La pianiste explique ainsi son choix : "En cherchant à provoquer une sensation de lâcher-prise chez l’auditeur, j’ai fait le choix de rompre les cycles et d’alterner les pièces, afin de mener à une écoute différente de ces répertoires : un fondu enchaîné au disque en somme !"
Il y a une évidence dans les proximités musicales, les sensibilités et les correspondances de ces trois compositeurs dont les carrières se sont étalées sur trois siècles – entre le XIXe et le XXIe siècle –, trois styles – le classicisme, le courant répétitif et le contemporain – et deux pays – la France et les États-Unis.
Évidemment, mettre en correspondance le thème de la métamorphose monstrueuse et celui du reflet a tout son sens
Le programme hétéroclite de Célia Oneto Bensaid fait de cet opus un "album-univers" à la fois cohérent et se jouant des époques et des styles. Le classicisme de l'auteur du Boléro se marie à merveille avec les œuvres oniriques et éthérée de Glass, comme à la modernité de Camille Pépin.
Même le très Méditerranéen "Miroirs – IV. Alborade del gracioso" de Ravel ne dénote pas avec l’œuvre de Glass. De même, les morceaux "Miroirs – V. La vallée des cloches" et "Miroirs - III. Une barque sur l’océan" ont le même parfum de mystère que le "Metamorphosis One".
L’auditeur sera électrisé par les tensions, les circonvolutions et l’architecture musicale audacieuse de "Metamorphosis IV". "Metamorphosis V" reprend de son côté le leitmotiv du premier mouvement, auquel vient répondre le mélancolique "Metamorphosis III".
Maurice Ravel a toute sa place dans le programme de Célia Oneto Bensaid. Sa musique délicate, onirique et teintée d’impressionnisme répond à ces métamorphoses, comme un miroir tendu, ce que l’interprète commente ainsi, grâce à une citation du compositeur : "La vue ne se connaît pas elle-même avant d'avoir voyagé et rencontré un miroir où elle peut se reconnaître".
La présence de Camille Pépin n’est pas une surprise si l’on pense à la participation de Célia Oneto Bensaid à l’album Chamber Musicqui avait été chroniqué sur Bla Bla Blog. Dans "Number 1 l'œuvre la plus récente de l’album, le néoclassicisme se réconcilie avec le contemporain dans un morceau alliant vagues sombres, éclats de lumière et moments introspectif. Un mot pourrait qualifier ce morceau : "souffle". Un souffle qu’accompagne une cavalcade joyeuse. Célia Oneto Bensaid réussit à abattre beaucoup de frontières dans cet opus d’une rare intelligence.
Le lecteur attentif remarquera peut-être que cette chronique consacrée à Iannis Xenakis (1922-2001), l’un des plus grands compositeurs du XXe siècle, est classée à la fois dans la rubrique "Musique" et dans les rubrique "Série et TV" et "Sciences". Nulle doute que si une rubrique "Architecture" existait – mais peut-être sera-ce le cas un jour – elle y figurerait aussi.
Arte propose en replay Xenakis Révolution, un passionnant documentaire sur Xenakis que l’on peut qualifier comme un "créateur insaisissable", compositeur de musique concrète, pionnier de la musique électronique mais aussi architecte (il a collaboré avec Le Corbusier sur des bâtiments majeurs). Il a aussi été reconnu comme mathématicien, ingénieur mais aussi inventeur de spectacles de son et lumière dès la fin des années 60.
Le documentaire s’appuie sur des archives vraiment intéressantes mais aussi sur des témoignages : sa fille Mâkhi, les compositeurs Pascal Dusapin et George Aperghis, le chef d’orchestre Michel Tabachnik, l’architecte Antoine Grumbach mais aussi des musiciens tels qu’Adelaïde Ferrière, Emmanuel Jacquet et Rodolphe Théry du Trio Xenakis, sans oublier la présence de Jean-Michel Jarre qui insiste dans le film sur la place de Xenakis dans la musique électronique.
Mais un autre Xenakis est dévoilé dans le film de Stéphane Ghez : celui d’un homme engagé, résistant grec durant la seconde guerre mondiale puis la guerre civile dans son pays. Cette expérience violente va marquer le créateur toute sa vie, comme en témoigne le compositeur Pascal Dusapin et cet étonnant parallèle entre la musique cosmique et le sifflement des balles (Diamorphose, 1957). Xenakis est contraint à 27 ans d’exil. Il devient ironiquement un étranger (xenos, en grec), gracié tardivement et qui a trouvé en France une nouvelle patrie.
Le témoignage capital de la fille du musicien, Mâkhi Xenakis, permet de rendre compte d’un homme aux multiples facettes, décidé à entrer dans la musique tardivement (il a plus de trente ans). Olivier Messiaen est un des rares compositeurs à témoigner son soutien à cet artiste "hors du commun".
Des partitions de Xenakis sont dévoilées par sa fille : des documents étonnants, cabalistiques, sans portées musicales mais avec des papiers millimétrés pour créer un nouveau langage musical ("Une architecture musicale qui bouge dans le temps").
Le nom de sa dernière œuvre ? Omega, bien sûr
Musicien et compositeur, Xenakis est présenté comme un architecte novateur, qui s’est par ailleurs appuyé sur ses propre plans pour écrire des œuvres se nourrissant et se répondant mutuellement. C’est Anastenaria en 1953 mais aussi Metastasis, qu’il a travaillé en même temps qu'il dessinait le Couvent dominicain de la Tourette près de Lyon. Les partitions font écho aux plans : les glissandi des violons s'inspirent des courbes des constructions (le pavillon Phillips pour l’ex universelle de Bruxelles de 1958). Le son, la lumière et l’espace se répondent mutuellement : "La musique est une architecture en mouvement", comme il est dit dans le documentaire.
Le film balaie en moins d’une heure une carrière et une œuvre importante qui a changé profondément l’histoire de la musique moderne et l’art en général : son apport dans la musique concrète lorsqu’il entre au GRM (Groupe de Recherches Muisicales) de Pierre Schaeffer, la musique granulaire ("Le grain est l’atome de la musique"), la musique stochastique (Pitoprata), et la musique électronique grâce aux premiers ordinateurs, ce qui fait dire à un témoin que Xenakis construisait "le" son au lieu de construire "avec" le son.
Compositeur novateur, Iannis Xenakis critiquait la musique sérielle (Nomos Alpha, 1965-1966) pour préférer l’utilisation des sciences aux possibilités infinies (statistiques, physique des gaz, hasard, théorie des jeux). Pour autant, celui qui a été résistant communiste, architecte, ingénieur, mathématicien puis musicien ne tourne pas le dos aux traditions, à commencer par les siennes, à l’instar de la mythologie gréco-romaine (Polytope de Mycènes).
Xenakis s’est aussi révélé comme un scénographe novateur avec l’invention de dispositifs dans les salles de concerts : l’auditeur se retrouve au milieu de l’orchestre. Il expérimente le son spatialisé, ce qui est aussi une démarche très "gauchiste", comme le révèle, amusé, Michel Tabachnik mais aussi Xenakis lui-même lors d’une interview télé vers 1968.
Le Polytope de Mycène dans les anciens thermes de Cluny à Paris en 1972 mêle partitions lumineuses, premiers lasers, flashs, musique électronique, architecture et sculptures visuelles. C’était un "shoot d’émotion" témoigne Jean-Michel qui se souviendra plus tard de ces sons immersifs, des lasers, des ordinateurs et de cette réalité virtuelle mise en lumière sur des sons électroniques (cette fameuse "proto-techno").
Pascal Dusapin voit dans "l’art xenakien" une musique essentielle, humaine et profondément inscrite dans les traditions grecques avec une modernité incroyable, tant musicalement que scénaristiquement, avec ce Polytope de Mycène qui consacre définitivement l’ancien banni de son pays d’origine, devenu un artiste universellement réputé. Universel : le mot n’est pas galvaudé pour ce génie. Le nom de sa dernière œuvre ? Omega, bien sûr.
Quatre œuvres, enregistrées entre 2014 et 2021, composent Rites, l’album d’Olivier Calmel. L’opus est dominé par Rite Of Peace, une symphonie concertante créée par le chef d’orchestre Aurélien Azan Ziélinski à la Salle Pleyel.
Dire qu’Olivier Calmel se nourrit de nombre d’influences est un doux euphémisme, si l’on regarde son pedigree : jeune compositeur contemporain, Grand prix Sacem de la musique symphonique jeune compositeur, Grand Prix International Académie Charles Cros, Prix de composition au Concours national de jazz de la Défense ou Premier Prix Festival Jazz à Vannes. On peut être sûr que Rites est en soi une vraie expérience sonore, complexe, passionnante et déconcertante.
La première œuvre, Rite Of Peace est dominée par le violoncelle inspiré de Xavier Phillips auquel répond un orchestre dynamique et très cinématographique. Contemporaine, cette œuvre l’est assurément, grâce à l’ensemble Les Siècles. Cette formation unique au monde réunit des musiciens d’une nouvelle génération jouant chaque répertoire sur les instruments historiques appropriés. Dans le premier mouvement, "Atomic Peace", il y a du rythme, du mouvement et de la couleur, ce qui peut nous renvoyer au répertoire de Louis Aubert ? Il y a une sorte de puissance primaire jusqu'à une descente vers l'apaisement comme si le rite en question avait joué pleinement son rôle.
"Pieces of Human Right", plus lent et plus "ample", mahlérien en quelque sorte, est bercé par un chant orientalisant, dans un souffle romanesque pour ne pas dire romantique indéniable. Dans le troisième mouvement, intitulé "Cadence", le violoncelle de Xavier Phillips se fait obsédant. Cette partie, la plus contemporaine sans doute, est jouée avec un dynamisme tel qu’elle fait penser à une danse de sabbat.
La partie suivante, "Rite of Education", fait souffler de nouveau un vent oriental dans un mouvement qui nous entraîne dans un pays méditerranéen aux mille couleurs et parfums épicés, peut-être dans un mariage ou un souk. En tout cas la vie y palpite, non sans de sourds dangers, comme si le compositeur y mettait en musique une femme fatale.
Les sons orientaux – "égyptiens", précise le compositeur – se font plus apaisés dans "September 21". L’auditeur se trouve embarqué dans un désert tout aussi mystérieux, à telle enseigne que ces "Rites" qui peuvent être entendus comme une invitation au lâcher-prise, au voyage et à la méditation.
Qui a dit que la pop culture était incompatible avec la musique contemporaine ?
Un double concerto suit Rites Of Peace : les Rhapsodie fantasmagorique sur Docteur Jekyll et M. Hyde, pour saxophone alto, piano et orchestres à cordes. Olivier Calmel propose un opus des plus cinématographique sur les thèmes du double, de l’altérité mais aussi du mystère. Le Duo Portejoie-Lagarde et l’orchestre à cordes de la Garde républicaine, dirigé par Sébastien Billard, s’emparent avec passion et gourmandise de cet opus en quatre mouvements.
Les Rhapsodie fantasmagorique sur Docteur Jekyll et M. Hyde revêtent une facture plus classique et plus occidentale que les "Rites Of Peace". Plus pop aussi, dans le traitement d’un thème de science fiction. Le classique et le contemporain rejoignent le jazz pour ce qui pourrait bien avoir la facture d'une bande originale d'un film hollywoodien des années 50 ou 60 ("Récit").
Comme son nom l’indique, "Duel", la deuxième partie, se veut plus inquiétante en non sans suspense. On est bien là dans une démarche cinématographique, avec un orchestre symphonique des plus vivifiants. "Doute" frappe par sa sombre mélancolie. On sent l'influence de Ravel dans ce mouvement qui est le chant d'un désespoir et d’une plainte. Cette partie est contrebalancée par "Réconciliation", mêlant éclats lumineux, rythmes de jazz mais aussi de sourdes menaces.
Nous parlions de science-fiction. Elle est bien entendu présente dans la troisième œuvre de l’album, Call of Cthulhu. Rares sont les artistes à s’être mesurés à ce monument littéraire de Lovecraft. En trois parties ("Présence", "Emprise" et "Rédemption") et 6 mouvements, Olivier Calmel propose une relecture musicale de sa saga Cthulhu grâce au Quatuor A Tours de cors et à l’Orchestre de Musique des Gardiens de la Paix dirigé par Gildas Harnois.
Qui a dit que la pop culture était incompatible avec la musique contemporaine ? L’œuvre nous est présentée ainsi : "Call of Cthulhu est un concerto fantastique pour cors et orchestre qui propose de parcourir le mythe des Grands Anciens et d'approcher cette divinité plongée dans une léthargie profonde et capable d'entrer en contact avec les humains au travers de leurs rêves". Il y a un souffle primaire dans cette œuvre, jusque dans les titres des parties : "Dunwich", "Necronomicon", "R’lyeh" ou "Yog-Sothotheries".
Le premier mouvement commence par un récitatif, avant la mise en branle d'un orchestre aux couleurs chaudes, avec une densité sonore incomparable. Les forces telluriques se déchaînent dans une joyeuse et singulière sarabande ("Profonds, Shoggoths et autres Grands Anciens") avant que, dans "Necronomicon", le jazz ne rencontre des sons tribaux et le souffle contemporain dans cet étonnant morceau brassant des influences diverses.
La quatrième parie, "La démence qui vient de la mer", est une cavalcade donnant aux Cthulhu une âme en même temps que des élans menaçants. "Nul ne saurait décrire le monstre", prononce la récitante, Élise Cailloux-Lamorinière. La musique semble s'en charger à sa manière. "R’lyeh", plus calme, mais aussi plus naturaliste, donne vie aux créatures monstrueuses de Lovecraft "Dans sa demeure de Riley le défunt Cthulhu attend en rêvant". "Yog-Sothotheries" vient conclure cette œuvre unique, grâce à un mouvement plus joyeux et dansant. La SF fait place au conte naïf, dans lequel Darius Milhaud semble rencontrer le Carl Orff des Carmina Burana.
Rites se conclue avec Wood Music, un concerto pour quintette à vent et orchestre, avec le quintette ArteCombo et le Scoring Orchestra dirigé par Aurélien Azan Zielinski. Ce concerto grosso en trois mouvements, aux vagues symphoniques néoclassiques éclatantes est idéale pour conclure un album d'une grande cohésion.
